在上一篇博文里，我写了罗永晖先生策划的“一念之间·心灵音乐会”。也是在这场音乐会上，我第一次见到他。两个月后，他又带着新的一场音乐雅集“一念之间·心灯”出现，其剧场式、雅集式音乐，那么宁静，却又震撼心灵。音乐，以及音乐会的整个过程的仪式感，具有一种净化人心的力量。之后，我约罗永晖先生进行了采访，在喝茶的同时，他静静地说了很多，我们是聆听。在此，我想尽量将他说的原原本本地辑录出来，从中可以看到一个作曲家，或者说一种人生的心路历程。
我：可否先谈谈您的音乐成长背景呢？
罗永晖：我出生于海南，然后去了澳门，从澳门去了香港，后来去台湾读书。 1995年，我得到了一个文化赞助，去美国读书。这段时间，我在外面重新看待中国，开始从另一方面深究中国传统文化。我写作的方向也在慢慢地转变，以前很西乐，而且前卫派，包括一些古灵精怪的创意音乐。而1995年到了美国，成为我转变的一个机缘。回来以后，我几乎将全部精力放在在中国音乐的发展和深究上，慢慢形成了现在的风格。
最早写曲子，天马行空的，没人让你这样写或那样写，都是你的想法。但我和电影、舞蹈合作后，就遇到挑战了。无边无际地写，似乎更容易一些，而合作便不能这么写了，反而给了我更大的挑战性。有一个限制性，有一种合作性的话，会遇到一些自己从来没有接触过的事物。我举例吧：有导演让我写一个餐厅音乐，表现一男一女在餐厅里的景象。这不是让我写大的乐章，或是浪漫的乐章，而是带有时尚感的、现代感的音乐小品。我想，怎么去做这个工作呢？这个就是挑战了，这是个机缘。我脑子灵光了，因为从来没碰过，现在我有机会碰了。再举一个例子，《桃姐》，许安华导演找到我，他说，你来写，这个电影的剧情很简单，一个老人家的一个很简单的故事……没什么故事性的。许安华导演说，你够老，你够经验，你来体验这个故事写吧。“我要你的音乐，但是你的音乐又不存在。”什么意思呢？因为它根本没有戏剧性，根本不需要宣扬些什么，不需要把你最好的音乐摆放出来渲染剧情。你只要给到一个情绪，就够了。这就是“我要听到音乐，又听不到音乐”。这也是一个挑战，最后很多朋友都说，这个电影的作曲是罗永晖，但好像听不到你的音乐啊……原来是导演的要求，我跟他的思想配合的。这些合作，将我的一些不曾知道的潜能发挥了出来。
便是以上这些积累，让我慢慢走向现在的道路。现在，剧场跟音乐结合的方向，而且还有心灵化的音乐的呈现，便是我的方向。
我：您的剧场音乐，似乎很有雅集的概念？
罗永晖：这和我小时候的背景有关。我父亲是个文人，他让我从小就背诗、读书。“永晖过来……你背哪一首给我听？不会背吗？”不会背会打的。所以，从小呢，文化这个的东西便慢慢地根植在心里了。也不知道是什么时候，只是回头想起来觉得是小时候的缘故。其实，原来的根就在那里。父亲是个文人，琴棋书画都喜好，每个星期的某一天吧，他总会有一帮朋友聚集在家里，弹弹琴，唱歌，唱粤剧，拉二胡，也要我来参与。我当时也不是那么乐意，心想，你们都那么老了，我一个小孩子跟你们怎么玩呢。但还是学了，那种活动的氛围，慢慢渗入我的脑子里。这让我想到，其实音乐会的形式可以有很多种。一般的音乐会，观众是非常被动的，台上演出很精彩，台下观众静静听。当然也有心神的交流，但这种还是割裂成两大块的，它没有一种真正的心灵上的对应。我现在回想起小时候父亲和朋友的那种雅集的形式，令我明白到，其实音乐，除了一般音乐会这种客观的欣赏形式之外，还有一种是主观可以投入的。所以，慢慢地，我就成立了“无极乐团”。
无极乐团，是一个心灵之乐。团里的艺术家，他们除了学书法，学禅修，把他们的心都安静下来，然后在一个稍微小的环境里面，跟听众在一起，用一种分享的方式，把音乐带出来。这个“雅集”的概念慢慢成为我们的剧场音乐。这和我小时候那种雅集的形式、氛围类似。但是又不一样，现在是剧场的音乐，是事先有设计的。
你看到整个音乐会是由多个环节组成的，每个环节之间的衔接都经过精心设计，使之完全一体化。它们都围绕着一个主题，一气呵成，包括所有的小道具，比如那个心灯，也包括演奏者细微的动作，这个小环节与那个小环节之间的衔接，都围绕主题去发挥。在音乐之间有互动，这个音乐和那个音乐之间，或是这个事件与另外一个事件，都不是单独发生的，而会有交叠呼应、延续的关系。我会事先想好这个音乐会会发生什么，很多你看得到的，和看不到的细节，整个音乐会的感受，包括衔接过渡的细节所传递出来的气氛是不是让人感受到“心灵之乐”。大家都投入凝聚在这样的主题氛围中，不仅仅是一种仪式感。大家来听音乐，不仅仅是来被动地听，而是共同地投入这种氛围，在这种仪式中感受，就好像去了一个宗教的场所，用虔诚的心，来共享一种心灵的交流和感受。
这些艺术家们都受过很高的艺术上的、传统文化上的训练和修养。你看他们弹琴时那种投入感，所传递出来的心灵的宁静感，不是一般人可以学到的。他们这种心灵的感染力，互相心神交流的能量，渗透弥漫到整个气场，并将真力凝聚一块。这也是我们可以稍微骄傲的地方，因为我们为此投入了很多心血。
流行曲、广告音乐、香港廉政公署宣传片的音乐、古灵精怪的新派的音乐、电影音乐、华丽宏大的西洋乐章……我差不多都写过。我前半生应该做的我都做完了，什么作品都有，但是我从来没有那种满足感。然而经过前面这些酝酿，才有目前的最佳的状态。
良友文化的王胤先生，他有个剧场，放了三年了都没有用过，他是个完美主义。我也是。三年都没动，原因是觉得没有适合的人，或者说没有适合的方向去发展这块好地方。到后来，我们终于碰上了，大家一起动脑子在这个剧场上，看看怎么去发挥。我跟我的拍档王梓静老师，一起组织的“无极乐团”，大概十年前就有这么一个想法，希望有一块地，是我们自己可以操作的，不是一般的剧场，能把我们的思想，我们的风格，把我们对剧场的一些概念在这里发挥。后来，遇到了王先生，这实在是一种很好的机缘。
传统音乐这块，我们是应该传承的，但是我们有两种做法，一种呢，是原汁原味的，一成不变的，像博物馆那样把它放在那里让人欣赏；另外第二种做法就是我的做法，我需要结合现代的传统。用现在的说法是，要把它重新包装，音乐的灵魂在那里，但我要用现代人的看法和演绎的方法把它带出来。我想在一种能体现这种感觉的环境中，把传统音乐的力量全面带出来。
我：这让我想到台湾的赖声川先生，虽然和您的音乐是两个范畴，但也是做自己的“剧场系列”。
罗永晖：赖声川导演的剧场是天马行空的，他可以摆弄各样的组合，去把他天马行空的想法给发挥出来。我们只是音乐人，没有故事，只是把音乐用一种很好的形式带出来和大家分享。我们诉说的是一种情绪，一颗“心灵”，希望在一个好的环境，把音乐带出来，所以要把音乐做得最精细最美。一个多钟头的音乐，用什么方法把它呈现，用什么方法扣连，即使在中间衔接留白的缓慢设计，也是为了令观众去想象，去投入他的感情，去把身心放松。
我：曲子和曲子之间的衔接，如无声的音乐，是谱上没有的。
罗永晖：是的，有很多东西不是谱上写出来的。例如在“心灯”这场音乐中，有一位舞者，他便是在用自己的主观的方式来演绎我们的音乐。在排练的时候，我跟他说：“你不要动，尽量不要动。”因为对于跳舞的人，肢体的动是他们基本的反应。我说：“你尽量不要动，你的存在就已经帮到我们了。”跳舞的人的肢体语言是很美的，我只需要他手指的一些很细微的、偶发的表达，而不需要一种那么强的舞蹈性的表现。他开始的时候还不是很习惯，但慢慢的习惯了。你在音乐会上可以看到，他走的方位也不是很多，刚开始，作为“心灯”里面的一点影子，到后面的环节时，他的姿态稍微多一点，但还是动作很少。然而却能给整个剧场传达出一种很特别的气氛。
另外，我们这个系列剧场音乐有一个特点，即最后一个环节是即兴的。我会构思好一个大概：“你大概要什么时候出来，你大概是一种什么情绪，怎么配搭这个乐器，怎么带动另外一段，怎么带动这个高潮……”，构思就在这里，只是欠音符而已。因为音符有限制性，如果写出来的话，就变成一个很完整的乐章了。但是我不需要这样，我需要一种开放性。一般来说，作曲家存在一种主观的状态，他希望演奏家这样那样，就像导演希望演员这样或那样地表演。结果有一个很大的问题，演奏家自己本身的潜能没有发挥出来。我觉得很可惜，他们学了那么久的音乐，他们自己的一些音乐想法应该能像火花一样闪迸。我很需要这样的一种能量。所以，我就想要在一场音乐里有一首曲子，是让他们发挥的。但是不能离谱。他们觉得这样演奏很爽，因为在没有限制，他们可以把自己对音乐的感受，把他们在当时临场的那种很特别的音乐火花给爆出来。所以，这个最后一首曲子作为即兴性音乐也将会成为我们的一个传统。
我：但这个“即兴”曲子是群体合奏，怎么能做到默契配合呢？
罗永晖：我们选的人都是高手，当然我们也彼此了解，所以在这个“即兴”上可以说是完全没有问题。其实他们也没有练太多，因为是即兴，即使排练了，到临场时也会即兴变化，而且高手常是临场发挥得比平时更好。
这些高手志同道合，大家有着一种共同的理想。有一些是我们的老朋友，有一些是年轻人。我们也希望一些年轻人加入，跟我们很成熟的艺术家合作，学习，这样才能将这种艺术一代一代地传承蔓延下去。可以说，这种剧场式音乐，基本上是没有过的。
当然也有一些做法类似，但用一种最慢的、最安定的方式去传递心灵音乐的，可以说几乎没有。而且也不容易学到。因为像这样一个心灵相通、默契配合，具有很好的传统修养的艺术家团队，是核心，也是这个雅集式音乐结构能够如此仪式感呈现的核心。
我：从《逸笔草草》、《千章扫》、《星河泼墨》到《落花无言》、《飞天涅槃》，您似乎很钟爱琵琶曲？而这些曲子，是否记载了您的心路历程？
罗永晖：我对琵琶的钟爱是一直都有的。我最近给王梓静老师写过《落花无言》，是生命感受。以往是《千章扫》，这个是书法上的狂想曲。但到了这个年代，我头发白了，想东西也稍微稳定一些了吧，写东西也写安静一些的，写的就是《落花无言》了，对生命的感悟，对人生的感思和体悟了。现在王梓静老师弹我这个曲子还要躲到庙里去想。因为太简单了。而以往的曲子多是很复杂的，很具外溢的渲染力，像书法狂草一般。后来，最近的另一首是《飞天涅槃》，你可以想象，飞天，涅槃，这种心灵化的境界。《落花无言》这首曲子很安静。你的心安静了，那种落花无言的美妙感受就出现了。所以，我经历了这样一种变化，这也是人生的一种变化。首先，名利的那些东西都过了，你给我多大的名利也不重要了。噢，我突然想起来，难怪许安华为什么要找我写《桃姐》的音乐了，人生的名利浮云都过去了，现在是落花静静飘落，归于流水，归于尘土的一种很安静的状态。
我在香港演艺学院作曲系当系主任好多年了。现在是，放下，投入一种新的生命，这一切都是很自然而然的。就像我的音乐走向一样。没有去经营，只是随着我的生命的流动，随缘到来。
我：您平时的生活一般是什么样的？
罗永晖：我住在山底下，每天，我会走山，这是一个清净的早上。一天里早晨花一两个小时做这个事情，走在山路上，有很多细微的自然的感受。然后回到家中，一个早上看书，因为我不用上班嘛。看书完了，灵感到了，我就能突发地写作了。但也没那么突然性，所谓灵感不灵感的，也太浪漫化了，其实也是需要精心构思的。所以，上午是自己的最好的时间。下午是见见朋友的时间。晚上又重新回到我的宁静的状态中。我不太听音乐会，我们作曲家之间不比较，听众可以比，但我们自己是不会比的，我们只是把自己心里面最好的音乐表达出来就算了。有的朋友就说：“你怎么能跟世界断裂啊，你怎么不注意世界的转变啊”。其实不是，我只是把人的那一面放下，因为人是复杂的。而且我每天都在学习，看不同的东西，感受不同的东西。整体来说，我把焦点放在作曲上，但我的生活面是普遍的，我希望我能把我横面的东西慢慢吸收，集中在我的焦点上。
《落花无言》就是我走山的时候感受到的，花落下来，万籁俱寂，掉进溪水里，或是清新的土壤上。那种慢慢飘下来的美感，其间是有两种情绪的，一种是美感，一种是伤感。慢慢你就会体悟到，人生也是如此。如落花一样，好的东西也不会长存，而我们应该怎样去看我们的生命，或是别人的生命呢？我们应该怎样去过这一生呢？
我现在读哲学的、美学的书比较多，比如说老庄、孔孟的那些书，也有西洋美学、哲学。我一天可以看五本书，其实是翻着看，看它怎么说，怎么说比说什么重要。除非你真的需要这个东西，才需要看它说了什么。而我们艺术家天马行空，所以看它怎么说一件事，怎么去表达更有意思。“怎么说”就是一种结构，一种表达，就是一种艺术感很重要的形式。这就是学东西了，学表达很重要，这对我作曲很重要。
